今年7月注定是黑色的，多位电影界的大师相继去世，最先是台湾新电影的奠基人杨德昌，然后是天才演员乌尔里希·穆埃，再后来大导演米开朗基罗·安东尼奥尼和英格玛·伯格曼居然在7月30日同时去世。他们还没来得及好好享受优秀作品带来的荣誉，就突然离开人世。在此列出几位大师的生平和作品，是为悼念，呜呼哀哉，悲痛至极！
杨德昌，中国台湾影视导演、编剧、制片人。祖籍广东梅县，生于上海。1949年移居台北。1969年毕业于台湾国立交通大学控制工程系。1970年赴美留学，获佛罗里达大学电子工程学位。1974年赴美国南加州大学学习电影。后往美国西雅图华盛顿大学从事计算机软件设计，长达7年。1981年回台北在余为彦执导的《1905年的冬天》中任编剧与制片助理。后在张艾嘉策划的电视连续剧《11个女人·浮萍》中任导演。1982年由台湾中央电影公司陶德辰策划；起用4位新人。用四具人生不同阶段的故事来表现人际关系与男女关系的演变、人的成长和台湾30年来社会形态的变迁。从此突破台湾70年代巨片主义，开创了专拍社会与家庭生活的充满情趣的实验电影时代。因此该片被称作台湾新电影的开山之作，与侯孝贤并称为台湾新电影的主角。1983年编导《海滩的一天》，获1985年金马奖最佳作品、最佳编剧提名，并获美国休斯敦国际影展评审团推荐金牌奖、第二十八届亚太电影展最佳摄影奖。他将西方电影理论与中国传统电影美学相结合，创造有鲜明台湾乡土特色的民族电影。散点结构与开放式结尾，突破东方人大团圆结局的传统审美心理，却又不追求新潮电影式的技巧奇特，展现纪实、隽永、朴素的艺术风格。为80年代台湾新电影赢得了世界的荣誉。1985年编导《青梅竹马》，获瑞士洛迦诺国际电影节国际影评家协会奖。1986年编导《恐怖分子》获第二十三届台湾金马奖最佳作品奖和第四十届瑞士洛迦诺国际电影节银豹奖，国际影评人奖和英国电影协会最具创意和想象力奖、第32届亚太电影节最佳编剧奖。1991年编导《牯岭街少年杀人事件》，获第二十八届台湾金马奖最佳作品奖、最佳编剧奖，并获最佳导演提名。同时获第三十六届亚太电影节最佳作品奖、第十三届南特三大洲最佳导演奖、第四届东京国际电影节评委会特别奖。92‘新加坡国际早电影节最佳导演奖。1994年编导《独立时代》获第三十一届台湾金马奖最佳编剧奖和最佳导演、最佳作品提名，被评为1994台湾十大华语片之一。塑造的人物性格有敏锐的心理学和精确的社会学的意义。偏重理性剖析，富有思辨与哲理的锋芒，能用现代变革的眼光来看待台湾的历史与文化，在手法上采用非情节剧结构，开放式结尾，富有探索性与实验性。1991年他曾为亚洲合作电影台湾编《夜来香》当制片人。90年代致力于执导自己编剧的舞台话剧《如果》、《成长季节》等。90年代以来的作品还有《麻将》（1996），《一一》（2000），其中《一一》获得当年嘎那电影节最佳影片奖。
作品年表：
1981年，春天参与《一九O五年的冬天》拍摄，任编剧及演员；秋天拍摄电视单元剧《十一个女人》中的《浮萍》；
1982年，《指望》（《光阴的故事》第二段）35mm∕彩色∕中影公司；导演、编剧：杨德昌 摄影：陈嘉谟 剪接：廖庆松 录音：杜笃之
1983年 《海滩的一天》 35mm∕彩色∕中影，邵氏∕167分钟；导演：杨德昌 编剧：吴念真、杨德昌 摄影：杜可风、张惠恭 剪接：廖庆松
1985年 《青梅竹马》 35mm∕彩色∕万年青影业∕105分钟；导演：杨德昌 编剧：杨德昌、朱天文、侯孝贤 摄影：杨渭汉；剪接：王其洋、宋泛辰 灯光：王志康 音乐：杨德昌 录音：杜笃之
1986年《恐怖分子》 35mm∕彩色∕中影公司∕109分钟；导演：杨德昌 编剧：小野、杨德昌 摄影：张展 剪接：廖庆松 录音：杜笃之
1991年 《牯岭街少年杀人事件》 35mm∕彩色∕中影公司及杨德昌电影公司∕240分钟；监制：詹宏志 制片：余为彦 导演：杨德昌 编剧：杨德昌、阎鸿亚、杨顺清、赖铬堂；摄影：张惠恭 剪接：陈博文 美术：余为彦、杨德昌 音乐：詹鸿达 录音：杜笃之、杨静安
1994年 《独立时代》 35mm∕彩色∕杨德昌电影公司∕127分钟；监制：詹宏志 制片：余为彦 导演∕编剧：杨德昌；摄影：黄岳泰、张展、李龙禹、洪秀武 成音：杜笃之；剪接：陈博文 音乐：李达涛 美术：蔡琴、杨德昌、关传雍、姚瑞中
1996年 《麻将》 35mm∕彩色∕原子∕121 分钟；监制： 余为彦 编剧： 杨德昌 导演： 杨德昌
2000年 《一一》35mm∕彩色∕台湾、日本；编剧、导演：杨德昌 摄影：杨渭汉 制片：余为彦；音乐：彭恺立 录音：杜笃之 剪辑：陈博文
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出演2006年奥斯卡最佳外语片《窃听风暴》男主角的德国影星乌尔里希·穆埃(Ulrich Mühe)，7月22日因胃癌在德国萨克森-安哈尔特州病逝，终年54岁。
据乌尔里希一位友人说，乌尔里希与癌症斗争已久，今年2月出席奥斯卡时，他已然重病缠身。乌尔里希早前接受该报纸采访时曾表示，在接受一项胃部大手术后，感觉身体状况有所好转，但癌细胞仍然留存。
乌尔里希1953年生于东德，1983年步入影坛，生前曾主演60余部影视作品，是一位演技出众的天才演员。除《窃听风暴》外，其他主要作品还包括《间谍佐尔格》、《见证人》等。
2007-拜见希特勒 Mein Führer(演员)
2006-窃听风暴 Leben der Anderen, Das(演员)
2005-Schneeland(演员)
2003-哈姆雷特X Hamlet_X(演员)
间谍佐尔格 Spy Sorge(演员)
2002-见证人 Amen.(演员)
1999-尖峰猎杀 Straight Shooter(演员)
1997-城堡 Schloß, Das(演员)
大快人心 Funny Games(演员)
1995-小猪快跑 Rennschwein Rudi Rüssel(演员)
1992-冒牌货 Schtonk!(演员)
荧光血影 Benny's Video(演员)
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英格玛·伯格曼于1918年7月14日生于瑞典的斯的哥尔摩。他父亲是一位路德派牧师，后来成为瑞典国王的宫廷牧师。伯格曼的父亲经常用自行车带着他去厄普兰地区的乡村教堂布道。当他开始布道后，小伯格曼就沉浸在教堂内部的象征世界之中，壁画、木刻生动而通俗地描绘了圣经故事。多年以后，伯格曼将其中一些早年记忆改造为一则名为《木刻画》的舞台剧之中。后来又成了电影《第七封印》的基本母题。其中有几个场景直接来自这些圣像画与宗教寓意画，例如骑士与黑衣死神对弈、苦修者的自我鞭笞游行、死亡之人在死神的率领下跳着轮舞翻过山岗……这些震撼人心的画面是电影史上最伟大的创举，然而，它们却源于这位艺术家的童年记忆。
伯格曼很早就对舞台与银幕表现出强烈的兴趣。当他得到他最珍爱的一套玩具，一盏魔灯与一套木偶剧场玩具时，他才只有10岁。他为这些木偶演员们设计布景与道具，还为它们编写剧本。伯格曼对幻觉世界的爱好已经不是一个孩子对玩耍的一般热衷了。在他的整个成长岁月里，他把自己积蓄下来的大部钱都花在了为他的魔灯和放映机买“电影”上了。这种所谓“电影”不过是用于投影的透明画片罢了。正是这些画片，给了伯格曼无穷无尽的遐思与幻想。《芬妮与亚历山大》开片第一个正面镜头就是：小小的帷幕拉起，出现小亚历山大的身影，他在摆弄那些木偶演员，好像向观众宣布“我的戏开始了！”而在影片的发展过程中，我们又好几次看到亚历山大在摆弄他的“魔灯”。
上大学以后，伯格曼开始在斯德哥尔摩大学学习文学与艺术。大学期间，他更多地投入了大学里的业余戏剧社团，而不是正规的学习。他的大学岁月是无价的，因为它给了他机会去尝试他那编导方面的创造性天才，也引导他跟当时的瑞典电影制作者们有了最初的接触。
北欧文化有着极其深厚的戏剧底蕴和极其伟大的戏剧传统。那里诞生了像易卜生、斯特林堡等世界一流的戏剧大师。如果我们将纬度接近北欧的英国（以莎士比亚为代表）也包括进去的话，那么，欧洲北部某个纬度以北的地区，实在称得上全世界戏剧最发达的地方。这可能真的与纬度有关。北欧地理位置靠近极地，有半年时间是冬天，而冬夜漫漫（《秋天奏鸣曲》里说“这里3点天黑，4点就吃晚饭了”），人们最好的消磨时光的方法就是讲故事与听故事（安徒生的童话）与演戏和看戏了。对此，伯格曼就曾打趣地说，我夏天拍电影、冬天导戏剧，“戏剧像个忠实的妻子，而电影则是一场巨大的冒险，是一个既昂贵而又挑剔的情人——你崇拜两人，每一个都以它特有的方式。”
伯格曼很早就开始了他舞台剧导演的生涯。在他早期执导过的舞台剧中，有斯特林堡的《幸运儿佩尔的旅程》以及莎士比亚的《麦克白》。不久，作为一个带有神奇手法的导演，以及一个具有爆炸性性格的人，他已在学生中获得盛名。
1944年，伯格曼离开大学，在哈尔斯林堡城市剧院成为一名职业导演。剧院正处于艺术与经济的双重倒闭的边缘，但是在两年时间里，伯格曼就将它转变成为一所非常成功的剧院。此后，他转移到了歌德堡城市剧院），在那里，他的影响同样深厚。1952年，他开始了在马尔莫城市剧院长达6年的导演生涯。那是现代欧洲最著名的剧院之一，他在那里创造了一个辉煌的“伯格曼时代”。以其精湛的室内剧演出及其从《浮士德》到《风流寡妇》的高度平衡的保留剧目而名声大噪。马尔莫剧院的许多演员后来都成了伯格曼电影的最受欢迎的诠释者：哈丽叶·安德森（Harriet Andersson）、碧比·安德森（Bibi Andersson）、英格丽·图林（Ingrid Thulin），以及麦克斯·冯·席多（Max von Sydow）。
伯格曼的舞台剧导演生涯在1963-1966的三年中达到了顶点，那时，他是瑞典国家剧院，斯德哥尔摩皇家戏剧院院长。如果从1938年他学生时代执导的第一部舞台剧算起，直到他于1966年辞去皇家戏剧院院长之职，伯格曼在27年中，一共执导了大约75部戏，还有大量电视剧与广播剧（不算1946年起执导第一部电影以来的大量电影作品）。这个数量的确是惊人的。他所执导的作品包括了莫里哀、歌德、易伯生、斯特林堡、契诃夫、皮兰德娄、布莱希特、加缪、阿诺尔、田纳西·威廉斯，以及爱德华·阿尔比等。
1966年，伯格曼辞去皇家剧院院长之职。他当然还会作为客座导演在剧院工作，但是，很显然，他辞职的理由之一是想更多地投入到电影创作中来。这是可以理解的，因为他在电影领域的成就，比起他对戏剧的贡献来，还要大得多。伯格曼作为一个剧作家与戏剧导演的名声，主要限于瑞典本国，可是，他的电影，几乎从一开始就获得了国际声望，并且一下子挤身世界一流电影导演行列，甚至深刻地改变了世界电影史的面貌和电影媒介本身在众多艺术媒介中的地位。
伯格曼第一部参与执导的影片是《折磨》。一年以后，伯格曼第一次单独执导电影，这一次是《危机》（1946）。打那以后，伯格曼几乎每年都导演一到两部电影。其中极大多数都是自编自导。
伯格曼认为，制作电影“已经成为一种自然的需要，一种类似饥渴的自然需要。对某些人来说，表达他们自己就意味着写书、登山、打孩子或跳桑巴舞。而我则通过制作电影来表达自己。”
伯格曼没有试图去再现他周围的现实，而是转向了内在的景观，他的大多数作品是作为心灵——他自己的，以及现代人的——发展的一种“寓言”。有一次伯格曼引用奥尔尼的话说，任何一部不去探索人与形而上学问题的关系的戏剧都是不值一提的。 这一艺术诺言无疑跟他的个人背景有关。正如他在回答法国电影评论家让·布朗热时所说的：“拍电影就是跃入自己童年的深渊。”
1983年，在不可思议的成功与同样不可思议的创造力耗尽的《芬妮与亚历山大》拍完之后，伯格曼宣布息影，不再涉足电影界。许多人认为那时已经65岁的他一定就此退休了。但是，他只是从电影界退居到电视剧的领域，并且重返舞台剧领域罢了。打那以后，他一直生活在一个僻静的小岛上，过着更为隐居式的生活。然而，他的多产却依然如故。即使在80高龄以后，他还每年为瑞典皇家剧院执导两部戏剧。83年以来有多部电视剧与电视专题片问世。在他夏天逗留在法罗岛（Faro）——这是一个波罗的海的小岛，伯格曼在那里拍摄了最著名的影片《假面》——期间，他还坚持每天上午写作小说、戏剧与电视剧剧本，每天下午在一个被当作影院的小谷仓里观看老式默片。
1985年3月，伯格曼魔术般地染指斯的哥尔摩皇家剧院，在那里上演莎士比亚的《李尔王》，从而将剧院从艺术与经济的双重泥潭中挽救出来，使它重新恢复了生机。
1989年，伯格曼委托丹麦著名导演比尔·奥古斯特（Bill August）执导他的一个新剧本。伯格曼认为那是继《芬妮与亚历山大》的家族编年史，它深深地扎根于伯格曼对与祖母在厄普兰渡过的那些美好时光的回忆。这部编年史是接着伯格曼的自传《魔灯》往下讲的，现在，它成了《最美好的愿望》。
1991年，伯格曼还在皇家剧院执导了斯特林堡的《朱丽小姐》、易卜生的《玩偶之家》以及尤金·奥尼尔的《通往暗夜的漫长旅程》。当年11月，伯格曼执导了欧里庇得斯的《女祭司》的一个现代歌剧版本。
1994年《星期天的孩子们》发行。这是伯格曼根据自己的自传体小说加以改编的，由他跟第四任妻子、钢琴家凯比·拉莱蒂（Kaebi Laretei）——伯格曼结过5次婚，有9个孩子——所生的儿子丹尼尔·伯格曼（Daniel Bergman）执导。
1996年11月，伯格曼又宣布从舞台退隐。这样，就只剩下他的最后一个领域：电视了。次年，电视剧《在小丑面前》播出。戛纳电影节一反常态，居然在这个世界顶级的电影节上上映一部“电视片”！伯格曼最晚近的动作是一部名为《萨拉班德》的电视片。
伯格曼电影作品一览表：
1953年，《小丑的夜晚》、《爱的一课》
1954年，《秋日之旅》
1955年，《夏夜的微笑》
1956年，35天完成《第七封印》
1957年，首次执导电视剧。编导电影《野草莓》、《生命的门槛》
1958年，《面孔》（美国上映时改名《魔术师》）
1959年，《处女泉》
1960年，《魔鬼的眼睛》、《犹在镜中》直译为《穿过昏暗的玻璃》
1961年，《冬日之光》
1962年，《沉默》
1963年，《这些女人们》
1965年，《假面》
1966年，《狼的时刻》
1967年，《羞耻》
1968年，《仪式》、《激情》
1969年，拍了一部纪录片
1970年，《接触》
1971年，54岁。《喊叫与耳语》（《呼喊和细语》）；
1972年，《婚姻场景》
1974年，《魔笛》
1975年，《面对面》
1976年，4月，离开瑞典，过自我放逐式的生活。在慕尼黑编导《蛇蛋》
1977年，在挪威编导《秋天奏鸣曲》
1978年，60岁。与8个子女欢聚一堂。
1979年，《木偶生命》
1981年，《芬尼和亚历山大》
1982年，宣布退影。
1983年，为电视台编导影片《排练之后》；拍摄纪录片《卡琳的面孔》以纪念母亲。
2007年于瑞典当地时间7月30日(周一)在他的最后定居地法罗去世，享年89岁。
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米开朗基罗·安东尼奥尼于1912年9月29日生，20岁之前他很倾心造型美术，后来着迷戏剧。曾经拍过精神病院的纪录片，这一经验使他后来作品提倡内在的写实主义，同时也预示着他以后的作品对人的精神状态的病态和异化的关注。
安东尼奥尼最早的电影从业经历是为杂志作撰稿人，1939-40年，他当上了罗马权威电影杂志《电影》的编辑，该杂志虽然是属于法西斯体系内的杂志，但后来却可以称为意大利新写实主义电影的保姆，从中产生了许多新写实电影的著名导演。他只在杂志上开始发表了几篇文章(专辑) ，就因为政治运动解职。在罗马实验电影中心短时间学习之后，安东尼奥尼开始撰写剧本。在1942年，替罗塞里尼写了《飞机驾驶员回来了》的剧本，受到赞扬。费里尼的《白酋长》也有他的贡献。此外，他还作为见习导演，在法国参与了卡尔内《夜间来客》的创作。
1940年，安东尼奥尼离婚后，开始拍摄各种短片和纪录短片。第一部《波河的人们》使他奠定了新现实主义的前驱地位。影片以波河上一条驳船的航行为线索，用不动声色的客观纪实手法捕捉渔民生活，被认为是影响后来新现实主义的重要作品。
战后，安东尼奥尼继续写剧本，为桑提斯写了《欲海奇女子》的剧本。他作为新现实主义的旗手，在1948—50年拍了数部短片。1950年，38岁的安东尼奥尼找到后台老板，开拍自己的处女作《某种爱的纪录》。这是一部暗示新写实电影将给意大利新气息的作品，但当时很多观众和影评人并未意识到这一点。此后，《失败者》、《不戴茶花的茶花女》、《小巷之爱》等片，都反映平平。直到1956年，拍摄《女友》才获得威尼斯电影节银狮奖。在这些早期作品中，他已经显露了带有安东尼奥尼标签的主题和风格，如将影片的重点放在人物，尤其是中上层社会人物的内心世界，而并非以戏剧性的冲突来结构情节。安东尼奥尼虽然和新现实主义有着密不可分的种种关系，但在电影作品上却有着很大的区别，安东尼奥尼自己的解释是：“我登场比别人要晚，那时电影方面的第一批新蕾虽说还有生命力，却已显出行将衰竭的迹象。......那种个人与社会的关系已不那么重要，而更重要的是考察每个人本身，揭示他的内心世界，从中看出他历尽沧桑以后——这包括战争和战争结束后的局势，现实生活中一切足以给个人和社会留下烙印的重大事件——在内心存留下来的一切，看出那种刚刚露头的不满心情，它大致地预示了后来在我们的心理、情感甚至道德观念上发生的变化。”
他真正获得世界性荣誉，是在1960年，他执导的《奇遇》在戛纳国际电影节上，以新颖独特的风格和极富现代感的思想内涵，轰动国际影坛，获得评委会特别奖。影片中，安东尼奥尼把中产阶级普通人物的心理作为关注对象，甚至是唯一的对象。。男主人公内心极度空虚，无论对事业和爱情都很茫然；女主人公身为富家女子，一方面有敏感、纯洁的内心世界，另一方面又只顾自己的感受，率性而为。两个人既渴望互相拥有对方的爱情，又担心自己的真情是否抛空。同时，现代人的相互隔阂冷漠，也使得两人都对爱情前途持一种迷茫的态度。这种现代人的矛盾心理状态在影片著名的结尾中，得以象征性的表现出来：男女主人公被向摄影机和观众，面对苍茫的大海，左边是海中的火山，右边是冰冷厚实的混凝土墙壁。在这一时刻，观众和主人公一起面对着现代社会和爱情中的复杂矛盾。
《奇遇》和随后的两部影片《夜》、《蚀》并称为“人类感情三部曲”。和《奇遇》一样，《夜》和《蚀》都细腻描绘了中产阶级空虚的感情世界。这一段时期，是安东尼奥尼的影片被世界认可，到处拿奖的时期。《夜》获得西柏林电影节金熊奖，《蚀》获得戛纳电影节评委会特别奖。
1964年他执导了他的第一部彩色片《红色沙漠》获得威尼斯金狮奖。在这部影片中，安东尼奥尼创造性的运用色彩作为影片的一个元素，用色彩和调子来传达人物情绪，凝造影片氛围。一位评论家宣称：《红色沙漠》是电影史第一部真正意义上的彩色片。
1967年的影片《放大》（又译：“春光外泻”）又一次获得戛纳电影节评委会大奖。这部影片中，外部世界作为人物内心世界变化、自省和自我检视的一个动因起到了重要作用。正如影片中引发事件的照片就是这样一种物质因素，在影片结尾处，一群嬉皮士在网球场上打着并不存在的网球，而画外音却传来撞击声，摄影师“捡起”这个“网球”“扔回去”的动作代表了一直以“物质眼光”看世界的摄影师终于同了“精神的眼光”。
这几部影片的成功，奠定了安东尼奥尼的世界级电影大师的地位。
从1970年开始的《扎布里斯基角》开始，安东尼奥尼开始了另一个阶段的创作。这一阶段中，他的作品明显减少，从题材到手法都有别于以前作品。在《扎》片中，安东尼奥尼明显受到席卷欧美的学生运动的影响，影片在美国拍摄，关注的人物也转移到青年学生身上。整部影片带有美国公路电影的痕迹，在各种嬉皮士色彩很浓的奇遇之后，一个原属于资产阶级的年轻女子“目睹”了一幢资产阶级别墅的爆炸。这个著名的戈达尔式的结尾强烈感染了时代的特征——左翼学生运动引发的阶级思考，幸亏它同时还带有《放大》的哲学思考，否则也将是一个阶级本能的图解。尽管如此，这个不伦不类的结尾仍然是个争议性问题。此外，在影片结构上，导演也作了一定探索，男主人公并未在影片开始就出现， 而在影片中后段时就已死去，由从影片中间进入的女主人公接替，这种方式具有一种流动性和随意感，同时也不可否认地将在一定程度上失去一部分观众地注意和认同。
1972年，作为关注学生运动的一名左翼意共导演，安东尼奥尼被中国政府邀请到文化大革命中的中国拍摄了纪录片《中国》。 按照他的说法：这是一部不带教育意图的政治片，我是个观众，一个带着摄影机的旅游者。这一纪录片观点上可追溯到苏联的维尔托夫的“摄影机眼睛”学派，同时代法国的马勒也在几年前拍摄了“印度印象”系列。但这部没有刻意从正面塑造中国形象的影片遭到当时中国政府的攻击。
1975年，安东尼奥尼拍摄了《职业：新闻记者》，讲述了一个记者在迷茫中试图调换身份寻找另一种生活和死亡的故事。影片情节离奇，但这个故事体现了导演的个人哲学企图和对人类精神状态的关注。个人身份认同的问题向来受到现代派作家关注，在这里，安东尼奥尼又回到以前的题材：现代社会中个人的内心迷惘和畸形。与前几部所谓“感情三部曲”相比，这部影片涉及更广阔的社会层面。感情只是其中之一，迷惘真正的动机是由外部社会引入、诱发的。
5年以后，安东尼奥尼又拍出了一部具有现代意识的古装片《上瓦尔德的秘密》。影片中，导演把现代的爱情、社会意识放在一次近代篡位谋杀行动中，最后王后与她的爱人兼谋杀者，这一对男女主人公双双死去，流露出导演的悲观与无奈。
1982年，安东尼奥尼执导了又一部悲观的影片《一个女人身份的证明》，影片的情节是在讲述一个导演在寻找自己电影的女主角的过程中发生的一些既平常又奇怪的事。而实际上，这部具有精神自传意义的影片，是安东尼奥尼精神接近绝望的悲观写照。一直笼罩着他的现代社会的种种精神病态始终无法挥去，影片中的导演一直也未能找到想要找的女人——一张女人的脸，一个女人的身份、情感和精神世界。开始一个女人与他交往融洽，但他始终不能肯定，她终于与他分手；另一个女人成了他的妻子，两个人在空无一人的威尼斯度蜜月时——他说他需要孤独——这个女人告诉他，她已经怀孕，但孩子是别人的。影片最后，当这位导演独自一人回到家时，孤独使他拿起天文望远镜，寻找宇宙中的另一个星球。这部绝望的影片为安东尼奥尼赢得戛纳国际电影节35周年大奖。
在随后的很长的一段时间里，安东尼奥尼因病很少拍片。直到10年后，他才再一次有了拍片的欲望，但这时他已经连发声的能力都没有了，只能靠妻子领会他的意图，再传达给别人。好在德国著名导演文德斯出于对这位大师的深深敬意，愿意作为执行导演帮助他完成作品。于是，全世界观众又有了再一次欣赏大师新作的机会。
1995年，《云上的日子》问世，这部短片集式的作品既表明安东尼奥尼的健康状况已经不允许他结构一部完整的长片巨制，也以这种主题堆积的方式，对导演一向所关注的各个主题进行一次总结性地阐述。在文德斯的鼎力协助下，影片仍然呈现出安东尼奥尼当年的风采，无论是哲学主题的挖掘，还是影象精美严谨的构成，都显示出一代大师风范。
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月蚀....
